little puddles

April 2024 - May 2024

Gallery COMMON, Tokyo, Japan

Gallery COMMON is pleased to present little puddles, American artist Matthew Brandt’s first solo exhibition in Japan.

Incorporating unexpected materials and methods into his experimental photo-based practice, Matthew Brandt (b. 1982, Los Angeles) upends the idea that a photograph must simply be an image neatly developed onto glossy paper– in his Lakes and Reservoirs series, for example, he develops photos of lakes using lake water; in his Wai’anae series, he buries photographs of the Hawaiian landscape, allowing the island to leave a mark of its presence on the image through natural erosion. If a photograph is something that captures a moment in time, Brandt’s works explore the limits of what this can mean.

Motivated by a desire to show the expansiveness of what he considers an “elusive alchemy,” Brandt works with different photographic mediums and processes with each new series he creates. little puddles brings together works from various series that highlight the fluid nature of Brandt’s practice; fluid both in the literal sense (the works are physically composed of such materials as ink stains, reservoir water, melting glass, and silver chemical drips) as well as in a more conceptual sense (each series being a “puddle” that comes from the larger “body of water” that is the world we inhibit).

To Brandt, making work in this way is both an interior journey as well as a way to understand the outside world. How can we portray a subject truthfully? Making works out of what they depict is one of the ways in which he tries to communicate this, touching on the idea of the truth value of a material. It also shows us what our technologies are capable of. Technology reflects our perceptions, and, in line with the experimental essence of photography, Brandt’s innovative techniques are ways for him to address differences in modes of perceiving.

The current exhibition is a compilation of several different series. Unveiled for the first time will be four works from Brandt’s Heidelberg Blankets series. The blankets, so named because they are part of the Heidelberg lithographic printing process, are used in the routine cleaning of these enormous specialized printers. Brandt collected these blankets from the Damiani printing plant in Bologna, Italy in 2014, where his “Lakes and Reservoirs” catalogue was printed, and embroidered them with snapshots from his studio, contrasting the slowness of the handmade with the speed of the mechanical.

In the other series in the show, Brandt explores the limits of printing technology and how we can use it as a way to interact with our environments. Brandt’s Rooms series turns used chandeliers into photographs– utilizing recently developed glass pigment technology, Brandt fuses a 360-degree photograph of the chandelier’s home onto its individual crystals, transforming it into an intimate reflection of the previous owner’s room.

The Silver series, which depicts forests across California, Indonesia, and Madagascar, are layered with silver solution, creating a mirrored effect that turns the photograph into a space of coexistence. Similarly, the Carbon series depicts nature, but instead utilizes the charred wood of Californian forest fires as pigment on top of a gold anodized aluminum base; here, the devastated foliage surrounded by the bright, empty space cleared by fire serves as a more sobering prompt.

A work from Brandt’s Joshua Tree series is also featured. Using a screen printing process, the artist “prints” with sand gathered from the photographed location. A symbol of resilience with cultural and spiritual significance, the tree remains strangely unearthly even in Brandt’s reproduction, a mirage among the shifting sands (both visually and materially).

A kind of symbiosis exists in Brandt’s organic, fluid relationship with photography, something which emerges as the backbone of the exhibition. Just as equally as he exerts his will upon existing elements, Brandt allows the environment and surrounding situations to shape the direction and final form of his works. What one might call the voyeuristic, perhaps even egoistic, gaze of the camera is tempered by the equal input of the things portrayed, turning the objectified into a subject which converses with its beholder. Within these pockets of time, we see the relics of processes that allude to a grander narrative, like puddles that are left behind and return to the ocean from which they came.

_____

Gallery COMMONは2024年4月6日から5月5日まで、アメリカ人アーティストのマシュー・ブラントの日本で初めての個展「little puddles」（小さな水たまりたち）を開催します。オープニングレセプションは4月5日（金）19:00 - 21:00です。

マシュー・ブラント（1982年生まれ、ロサンゼルス）は、予想だにしない素材や技法を取り入れた実験的な写真作品を提示し、写真とは「光沢紙に整然とイメージが印刷されたものである」という固定観念を覆します。例えば、「Lakes and Reservoirs」シリーズでは湖の写真をその湖の水を使って現像し、「Wai’anae」シリーズではハワイの風景が写った写真を地中に埋め、自然に起きる浸食によって島の痕跡を刻み込んでいます。こうしたブラントの作品は、時間的な瞬間を捉えるものであるという写真の限界に挑んでいるとも言えます。

写真を「難解な錬金術」とするブラントは、その拡張性を示したいという欲求に突き動かされて、新しいシリーズに取り掛かる度に新たな素材や技法に挑んでいます。この展示「little puddles」では、複数のシリーズの作品を通じてブラントのそうした「流動的」な活動を映し出します。インクの染み、貯水池の水、溶融ガラス、銀液などの液体によって制作された本展の展示作品は物理的な意味でも「流動的」であり、また私たちが住む世界を「大きな水域」に喩えると、そこから現れた「水たまり」としての作品は概念的な意味でも「流動的」です。

ブラントにとって作品を作ることは、自身の内側を巡る旅であると同時に、その外の世界を理解するための手段でもあります。どうすればある対象を真に描き出すことができるのか？その方法を示すために、描写するその対象自体から作品を作り出し、そしてその素材の真価に迫ろうとします。また、写真の本質に実験性を見出しているブラントの作品は、テクノロジーに何ができるかを示しているとも言えます。テクノロジーは私たちの知覚を反映しているものであり、ブラントは新たな技法に挑むことで私たちの新たな知覚様式にも挑んでいるのです。

今回の展示では、複数のシリーズから作品をピックアップしています。「Heidelberg Blankets」シリーズからは、4点の作品が初めて発表されます。シリーズ名はハイデルベルク社の大型印刷機のクリーニングに使用されるブランケットから来ています。2014年、ブラントは自身の「Lakes and Reservoirs」シリーズのカタログを印刷したイタリア・ボローニャのダミアーニ印刷工場で、クリーニング用に使われていたブランケットを貰い受けました。そして自身のアトリエで撮影したスナップ写真を元に刺繍を施すことで、手作業の「遅さ」と機械作業の「速さ」を対比させています。

「Rooms」シリーズでは印刷技術の限界に挑戦し、それを周囲の環境へのアプローチに用いています。ブラントは近年開発されたガラス顔料技術を利用し、かつて誰かの家に吊られていたシャンデリアを写真作品に昇華させます。そのシャンデリアが下がっていた部屋の360度画像をクリスタルそれぞれに吹き付け、以前の持ち主が過ごした記憶を写し出しています。

「Silver」シリーズは、カリフォルニア、インドネシア、マダガスカルの森林を写した写真に銀液を垂らすことで写真を鏡面に転換し、森林と鑑賞者が併存する空間を作り上げています。一方、やはり自然が描かれている「Carbon」シリーズでは、アルマイト処理された金色のアルミニウムの支持体の上に、カリフォルニアの森林火災で焼けた木が顔料として使用されています。荒れ果てた木々を取り囲む明るい空白は、火事によって失われていった森林のことを鑑賞者に想起させます。

「Joshua Tree」シリーズでは、写真の撮影場所で採集した砂によってシルクスクリーン「印刷」を行っています。ジョシュア・ツリーはロサンゼルスのジョシュア・ツリー国立公園に生える象徴的な木で、文化的・精神的にも生命力のシンボとなっています。砂によって幻想的に描かれた、視覚的にも物質的にもうつろう作品の上でも、ジョシュア・ツリーはまるで地球のものではないようなその不思議な存在感を発し続けています。

共生関係とも言えるような、ブラントの写真に対する有機的で流動的な態度がこの展示の骨格となっています。ブラントは、自身の意図を素材に反映させるのと同じくらい、環境や周囲の状態が作品の方向性や最終的な形を作っていくことを良しとしています。ときに覗き趣味的、ときに自己中心的と言われるカメラの一方的なまなざしは、そのまなざしを向けられる対象が作品自体に還流してくることによって和らぎ、写真の中の客体は鑑賞者と対話する主体へと転換されるのです。私たちはこうした小さな時間のかけらの中に、より大きな物語を示唆する痕跡を見ることができます。それはまるで、潮が引いて海岸に取り残された水たまりが、また元の海に戻っていくように。